ARTPRICE - La industria de los museos®: Exponer arte en el siglo XXI
PARIS, March 7, 2019 /PRNewswire/ --
Con los precios de las obras maestras que ahora superan los presupuestos de compra de los mayores museos públicos, estos últimos se han visto obligados a encontrar nuevas maneras de continuar con su desarrollo.
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Al competir con las fundaciones de empresas y los coleccionistas privados con mucho más dinero y una mayor flexibilidad en la acción, las instituciones estatales tienen que llevar a cabo proyectos a largo plazo que son menos reactivos a las tendencias del mercado.
El CEO y fundador de Artprice thierry Ehrmann recuerda: «el mundo vio más museos construidos entre el 1 de enero de 2000 y el 31 de diciembre de 2014 que durante todo el siglo XIX y XX. De hecho, cada año se inauguran alrededor de 700 nuevos museos de categoría mundial en cinco continentes distintos, cada uno con un mínimo de 4.500 obras de arte.
Las ambiciones de «poder blando» de las grandes potencias (en especial China y Estados Unidos) son un motor geopolítico esencial de este crecimiento de la industria de los museos® y representan un elemento fundamental en la conceptualización de Artprice del mercado de arte actual.
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Con un presupuesto de adquisiciones básicas de menos de 20 millones de dólares al año, muchas de las piezas históricas están simplemente fuera del alcance del Museo Louvre (el mayor museo del mundo en número de visitantes). Por suerte, el Louvre recibe donaciones únicas. En 2016, Francia y Holanda acordaron comprar conjuntamente dos retratos de Rembrandt de la colección francesa Rothschild. Cada Estado contribuyó con 80 millones de euros para adquirir uno de estos dos cuadros, que se mostrarán alternativamente en el Louvre y en el Rijksmuseum, pero siempre juntos.
Hoy en día ese tipo de solución es muy excepcional, porque en la gran mayoría de los casos los grandes museos no están a la altura de los multimillonarios. Sin embargo, implementando una variedad de mecanismos legales (préstamos, donaciones, regalos) algunos Estados han conseguido obtener su valioso apoyo.
En julio de 2002, Masacre de los inocentes (c. 1610), un cuadro recientemente reatribuido a Peter Paul Rubens, generó el tercer mejor resultado de subastas del mundo del arte (en ese momento) en Sotheby's de Londres. El empresario canadiense Kenneth Thomson pagó 69,7 millones de dólares para adquirir la obra, que luego prestó a la Galería Nacional de Londres antes de donarla a la Galería de Arte de Ontario, una adquisición que el museo canadiense no podría haber hecho por sí solo.
El arte contemporáneo ya es demasiado caro
En 2017, el empresario japonés de 40 años Yusaku Maezawa pagó 110,5 millones de dólares a Christie's en Nueva York por el Sin título (1982) de Jean-Michel Basquiat. Dos años antes, el mismo coleccionista adquirió otro lienzo importante del artista de grafiti de Nueva York por 57 millones de dólares. Ambas obras se expondrán pronto, junto con el resto de la colección de Maezawa, en su propio Museo de Arte Contemporáneo situado en las afueras de Tokio (Chiba).
Mientras esperaba la inauguración de este museo, el joven coleccionista prestó el cuadro de 110,5 millones de dólares al Museo de Brooklyn para la exposición «One Basquiat» (enero- marzo 2018). La exposición recibió un número de visitantes inesperadamente alto, atribuible, al menos en parte, a la presencia de esta obra, que de pronto se ha convertido en la obra más famosa de Jean-Michel Basquiat.
En una entrevista con el New York Times en mayo de 2017, Ann Temkin, curadora en jefe de la sección de pintura y escultura del MoMA, lamentó que su museo no adquiriera a tiempo obras de Jean-Michel Basquiat. Veinte años después del fallecimiento del artista, la prestigiosa Institución de Nueva York no tiene en su poder una sola obra de Basquiat y sus precios son tan elevados que no puede esperar adquirir una directamente.
Basquiat el es ejemplo más llamativo de artista contemporáneo cuyos precios han aumentado demasiado rápido. Pero muchos otros artistas contemporáneos han experimentado una situación parecida. Estos incluyen Peter Doig, Richard Prince, Christopher Wool, y más recientemente George Condo y Rudolf Stingel.
Desde la colección privada al museo
Las principales instituciones europeas (el Louvre, el Prado, el Museo Británico, etc.) se establecieron a finales del siglo XVIII y a principios del XIX alrededor de importantes colecciones privadas, a menudo colecciones reales. Durante más de dos siglos, en respuesta a la creciente importancia de la «cultura» en la sociedad, los Estados han tratado de enriquecer sus colecciones comprando obras de arte al tiempo que se desarrollaba la creación artística.
Al mismo tiempo, poderosos industriales y banqueros como los Rothschilds y los Rockefellers crearon importantes colecciones privadas. Algunas de estas colecciones han encontrado un lugar en los principales Museos como la colección Robert Lehman en el Museo Metropolitan.
A partir del siglo XXI, el número de museos privados se ha multiplicado exponencialmente. Hasta cierto punto, su éxito ha sido impulsado por la cobertura mediática del Mercado del Arte. La Galería Neue de Nueva York, que se inauguró en 2001, recibió publicidad internacional con la adquisición en 2006 del Retrato de Gustav Klimt de Adele Bloch-Bauer I por 135 millones de dólares, un récord de todos los tiempos para el mercado del arte (en aquel momento).
El crecimiento del mercado del arte ha intensificado la competencia entre los principales museos y coleccionistas. Este último crea colecciones más personales y a veces más coherentes en lo que se refiere al arte contemporáneo. En los Estados Unidos, estas colecciones han generado algunos de los más prestigiosos centros de arte en el país: La colección de la familia Rubell (Miami), el Museo Broad (Los Angeles), la Fundación Hill Art (Nueva York).
En Europa, las fundaciones de empresas y las colecciones privadas también han pasado a formar parte del trasfondo cultural. Francia, en particular, es la base de muchas de las principales instituciones como la Fundación Maeght en Saint-Paul de Vance, la Fundación Louis Vuitton en París y outlets para arte «nuevo» en lugares encantadores como la Fundación Carmignac en la isla de Porquerolles.
La solidez de los coleccionistas asiáticos
Los coleccionistas asiáticos también tienen todas las cualidades necesarias para participar en este nuevo modelo: un inmenso apetito por el arte y su historia, una capacidad financiera enorme y, sobre todo, el deseo de compartir sus colecciones con el público general. En Japón, el Mori Art Museum creado por el promotor Minoru Mori, se ha establecido como un auténtico templo del
arte contemporáneo.
El China, el multimillonario Liu Yiqian está trabajando activamente para crear una de las mejores colecciones de Asia.
Su museo -el Long Museum de Shanghái- combina arte chino tradicional y contemporáneo, así como obras de arte occidentales históricas. El 9 de noviembre de 2015 adquirió Desnudo acostado de Amedeo Modigliani (1917-18) en Christie's en Nueva York por 170 millones de dólares.
De hecho, Liu Yiqian es tan rico que al parecer compró el cuadro en metálico con su tarjeta American Express.
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